AFTER IMAGES: AMY ARBUS

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Por María José Martínez

La imagen latente, o en inglés “after image”, se podría entender como una imagen fantasma que aparece flotando frente a los ojos después de mirar prolongadamente una imagen con colores contrastantes. Es como si después de mirar la redondez de un eclipse solar se mirase hacia una pared negra, la misma imagen aparecería en color invertido, en blanco iridiscente. Una imagen que aparece y desaparece, ilusoria.

Si bien no es un término fácil de explicar, fue concepto de inspiración para la fotógrafa Amy Arbus, también profesora en el International Center of Photography en Nueva York, quien recientemente visitó por primera vez México a propósito de su exposición “After Images”, que se exhibe en Patricia Conde Galería durante todo noviembre. El proyecto fotográfico recrea algunas de las pinturas favoritas de la fotógrafa de aristas como Amadeo Modigliani, Pablo Picasso, Paul Cézanne, Balthasar Klossowsk “Balthus”, y Schiller, todos exponentes de la vanguardia.

“Realmente no fue mi idea, todo comenzó con un cocker spaniel ‘divino’ de un actor amigo mío, quien me dijo ‘deberíamos recrear aquel autorretrato, esa pintura de Courbet con el perro negro’, pensé en lo divertido que sería realizar la interpretación de algunas de mis pinturas favoritas, y preguntarme cuál había sido la inspiración de cada artista”, contó en entrevista para Cuartoscuro.

Así que, servida de una agenda muy extensa de contactos, entre modelos, actores y artistas, Amy Arbus invitó a algunos amigos a participar en el proyecto “After Images”. “Formamos un equipo de trabajo muy sencillo, nada en torno a una gran producción, algunas pinturas funcionaban para ser reinterpretadas y otras no”, relata que la decisión la tomaban al instante, trabajando con pinturas que incluyeran máximo tres personajes, nada de escenografía compleja pues el proyecto se realizó lo más austeramente posible.

Desde el principio quiso retratar personajes que pudieran identificarse fácilmente con alguna emoción. “John Szarkowski, fotógrafo, curador, historiador y director de Fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) de1962 a 1991, pensaba que las fotografías funcionan como ventanas y espejos; existen fotógrafos que miran a través del sujeto o aquellos que proyectan algo en el retratado, algunos son la combinación de ambos”, detalla acerca del retrato empleado en la fotografía, como en el caso de esta exposición.

“Para mí, se trata en su mayoría del sujeto que fotografío, es una colaboración entre ellos y yo, los guío hacia una emoción y luego ellos lo interpretan; es esa interpretación la que fotografío”, revela su técnica de trabajo. Como lo hizo con una de las modelos, Sam, a quien le pidió que imaginara qué estaba sintiendo la mujer de la obra de Picasso “Mujer melancólica”. ‘Creo que está enferma’, respondió la modelo. “Con esa reinterpretación pensamos en la melancolía, no sólo como un estado de enfermedad sino uno reflexivo en torno a enfrentar a la muerte”.

El apellido no es coincidencia, ciertamente se trata de la hija de Diane Arbus (1923-1971), una de las fotógrafas estadounidenses más controversiales de la época, por sus retratos de gente del circo, manicomios o renegados sociales, como travestis y sexo servidoras. “De no haber sido por mi madre, quizá no me hubiera involucrado con la fotografía. Era una persona realmente agradable, a quien agradezco lo que soy”, confiesa con respecto a Diane Arbus. Amy era adolescente cuando Diane cometió suicido en 1971.

También en la incertidumbre se puede aprovechar la creatividad cuando no se tiene del todo planeado un proyecto, ese fue el caso de Amy. “No tenía idea de cómo iba a realizarlo cuando empecé, sólo quería intentarlo, intentar la luz, recrear el sentimiento. No importaba lo que había sucedido en la obra original, sino tener la capacidad de transportar al espectador a una emoción nueva, presente”. Emocionante y aterrador, son las palabras que utilizó para describir este viaje fotográfico que implicó el compromiso de un equipo de actores y modelos, maquillistas, quienes hicieron los escenarios de fondo, asistentes de iluminación, bailarines y un perro.

“El ‘after image’ es lo que se queda en la mente después de ver una imagen que genera mucha sorpresa”, eso significa el término para mí. Las pinturas se quedaron en mí después de que las vi, y eso es lo que uno trata de hacer con la fotografía, crear una imagen con la mente. Al final creo que este proyecto generó imágenes que te sientas obligado a mirar una y otra vez”, comparte la fotógrafa. “No quería que se viera como un chiste o una parodia, eso no me interesaba”. Todo en las imágenes de «After Images» es fotografía y algo de maquillaje, además de una técnica de iluminación fotográfica bastante precisa; no hay montajes.

Sin intención de serle fiel a lo que los artistas originales querían retratar, “After Images” se trata de una reinterpretación emocional que resume los nueve meses de trabajo intenso. “Trabajamos una vez a la semana durante 8 horas diarias pero la investigación previa fue ardua. No podría saber lo que cada artista tenía en mente cuando hizo la pintura porque me sentiría obligada a ser fiel a ese objetivo inicial”. Una colaboración silente, un viaje desde lo interno de la percepción hacia lo activo de la reinterpretación, es como describe el proyecto Amy Arbus.

Relacionarte con la persona que está frente a la cámara, atravesarlo y atravesarse mutuamente, alcanzar la mirada del espectador, es la intención de un retrato. “Un gran retrato habla universalmente de la naturaleza del ser humano, es hablar en un lenguaje que todos entendamos, en donde coloquemos nuestras fantasías, algo intrigante, misterioso, y a pesar de esto, no confuso”, cierra la entrevista una fotógrafa que además de poseer una simpatía natural, fotografía emociones y comparte interpretaciones.

«After Images» de Amy Arbus se exhibe todo noviembre en Patricia Conde Galería.

La Fontaine 72, Polanco.